klavierの音楽探究

P.L.Aimard の音楽エピソードⅨ

続き。これでこのシリーズ最後です。（エマールの言葉）

【現代の音楽家のメッセージを伝える】

これからは現代音楽から離れて、古典音楽に集中していくのかと尋ねられることがあります。どうやら演奏家というものは、遺跡を発掘する考古学者のように思われていて、そのように振舞っている方が人々を安心させるところがあるらしい。

それに較べると、同時代の音楽の証人としての演奏家というものについては、現代ではあまり評価されないようです。作曲家の表現というのは、それを取り巻く環境や演奏者次第で、そのメッセージがゆがめられてしまう場合がある。あやういバランスの上に成り立っています。それだけに、現代の音楽家のメッセージを伝える仕事は、とても大事なのです。

そしてもう一つ、私が大切にしなければならないと思っているのは、次の世代に伝えるという事です。教育というものを芸術活動の中心に据える事を、いかなる時にも忘れてはならない。私自身も、偉大な芸術家たちの教えを受けてここまでやってきたのです。彼らの作品を、その演奏を学生たちに伝えていく。そして学生たちがやがて、世界の各地で、彼らなりの方法で、その教えをまた伝えていく。

こうした、目には見えない、そしてかたちにも残らない仕事は、古典派やロマン派の名作を、しかるべき様式にのっとってきちんと演奏すること以上に大切なものだ、と私は考えます。それこそが、音楽という表現が途切れることなく現代まで続いている大きな原動力であり、音楽がいま生まれたばかりのもののように輝くことをやめない秘密なのだと思っています。

（2008年7月11日　札幌）

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エマールが以前、ケルン大学にて教えていたタマラ・ステファノヴィチさんも、エマールに才能を見出され、現在はピアニストとして世界で活躍されています。彼女にとってエマールとの出会いは、大きなものでした。そして、一緒にピアノ・デュオで共演したりも。現在では、母校のケルン大学で、彼女自身も教鞭を執っているそうです。

このように、エマールの教えは次の世代に受け継がれていくことでしょう。他にも多くのピアニストに指導を続けています。

下のDVDは、昨年の大阪いずみホールでの、エマールのリサイタルで購入し、サインを頂きました。この中には、アメリカの作曲家エリオット・カーター氏に直接、曲の演奏の指導を受けている場面があり、100歳近いカーター氏から、熱心な指導を受け、あのように素晴らしい演奏を現在の人々へ伝えてくれます。この中に収録されてあるドイツでの演奏会は、もう最高です。

使命感を持って、意義ある音楽家としての活動を続けるエマール氏。素人の音楽愛好家、ピアノ愛好家の私も、エマールのお陰で、音楽の世界がとても拡がりました。心から感謝です！

P.L.Aimard の音楽エピソードⅧ

続き。（エマールの言葉）

【調律、バッハについて】

調律技師の存在についてもお話しておかなければならないでしょう。最高のピアノを手にすることが出来たとしても、調律技師の存在がなければ、その最高の実力を引き出すことは出来ません。

私には、ステファン・クニュップファという最も信頼できる調律技師がいてくれることがとても大きい。彼は人生の全てをピアノに捧げている情熱家です。深い見識があり、独自の研究も怠らず、その研究の成果を私と共有しようとします。調律技師としての高度な技術を持ちながら、ピアノについての考え方、見方がはっきりとした姿かたちをとっている。彼のピアノ観はいたって美しいもので、演奏家にとっては大きな刺激になります。場合によっては演奏家の人生を変えてしまうくらいの力を持っている。手段は違いますが、私たち二人が追及するものは同じです。私はこのような共同作業が好きですし、彼から学ぶことは実にたくさんある。彼はウィーンに住んでいるので、私が録音するのはたいていの場合ウィーンで、という事になります。そうでなければ自動車で二時間ほど離れたグラーツで。

バッハ「フーガの技法」（2008年録音）も、ウィーンのコンツェルトハウスで録音したものです。調律技師はもちろん、ステファン・クニュップファでした。バッハの最晩年の未完の作品であり、最高傑作のひとつである事は議論の余地はありません。20代初めに、旧東ドイツでの演奏旅行でバッハの自筆譜のファクシミリ版を手に入れて以来、私がずっと楽譜を読み返し、研究を続けてきた作品でした。しかしこのような複雑な名曲を弾くには、まだまだ時間がかかる、自分にとって機は熟していない、と思い続けてきました。そして50歳になった時、ようやく決心がつき、録音する事にしたのです。

私はいつもこのように、時間をかけるのが大事だと考えています。しかし、それだけでは足らないのだ、ということをバッハによって気付かされることになりました。「フーガの技法」はあまりに壮大で、厳しい作品です。録音をし、演奏会で弾いても、いまだに畏れや無力感を抱かざるを得ません。その一つ一つが、高くそびえる山のようなものであって、何度でも挑戦するより他はないのです。バッハは難しい。比類がない。演奏家にとってもそれだけ難しい音楽であるがゆえに、それを聴く人々にそのたびごとに色合いの異なる深い感銘を与えてくれるのだと思います。

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エマール50歳にして、満を持して録音したバッハ「フーガの技法」。このCDも前回の記事で紹介したドビュッシーも、ステファン・クニュップファ氏の調律。調律師に敬意を持って、演奏を共同作業で仕上げていくエマール。そして、エマールは天才でありながら、とても思慮深い人だなと思いました。

P.L.Aimard の音楽エピソードⅦ

エマール・シリーズの続き、もう少し続きます。（エマールの言葉）

【ピアノ選び】

どのようなピアノを選び、演奏するか。それは確かにとても重要な問題です。たしかにピアノは演奏をある程度規定してしまう。私にとってのピアノの選択の問題は、ソリストとしての活動が比重を占めるようになってきた頃に、とても明確なかたちで現れたことがあります。それはドビュッシーを録音した時のことです。最初の録音が、結果として自分の満足のいかないものだったので、もう一度やり直したいと申し出たのです。幸いにも許可がおりたので、さらにもうひとつ条件を出させてもらいました。それは、録音するホールも自分で選びたいということでした。それもまた認められたので、さらにもうひとつ、私が録音のために新しいピアノを購入することでした。そこには運命的といっていい出会いがあったのです。では、今日はその秘密についてお教えすることにいたしましょう（笑）。

2001年の5月、ウィーンのコンツェルトハウスの小ホールで、オール・リゲティのプログラムのコンサートがありました。ホールにはリゲティ自身も姿を現していたのです。そこで私が演奏したピアノというのが、何と言えばいいのか、最高のものだった。もう惚れ込んでしまったとしか言いようのないものでした。

コンサートを終えて、リゲティと食事に出かけ、その席で私は「あのピアノのことを想うと、眠れそうもない」ともらしてしまったのです。するとリゲティが「それなら買えばいいじゃないか」という。そして「お金なら貸してあげるよ」と言うのです。私はすかさず「じゃあ買います！」と小さく叫びました。そしてそのピアノは今、私の自宅にあり、いつも私の帰りを待っています。

ピアノ自体が素晴らしいことについては疑問をはさむ余地はありません。しかし私にとってそのピアノは、あの夜のリゲティとのやり取りに直接結びつくものとしてそこにあるのです。それが何よりも大きい。以来、録音の際に使うのはもちろんですが、コンサート会場に運び込んで弾く事もあります。惚れ込んで手に入れたピアノを弾く時、私の中ではつねにリゲティとの思い出が蘇ることになったというわけです。

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このCDが、そのピアノで録音された、ドビュッシーの映像とエチュードのアルバムです。場所は、エマールの指定したスイスの、ラ・ショー=ド=フォン音楽院ホール。楽譜はヘンレ版を使用。

エマールが惚れ込んだという、リゲティとの思い出の詰ったピアノで弾かれたドビュッシー。響きも演奏も素晴らしい。何て素敵なエピソードだろう！と思いました。

P.L.Aimard の音楽エピソードⅥ

続き（エマールの言葉）

【ピアニストの役割】

私がソリストとして本格的に活動するようになったのは、比較的最近のことです。若くしてデビューし、ソリストとしての演奏活動を世界中で繰り広げることが当然のように迎え入れられている現在では、むしろ異例のことと見られるかもしれません。しかし私は意図的にこの道を選んできました。特に指揮者やピアニストの場合、音楽というものを総括的にとらえなければならない重要な役割があります。学ぶべき事は実にたくさんあるのです。あまりに早くソリストとして演奏活動を始めてしまうと、途中から息が持たなくなりキャリアが崩れてしまう場合があります。前途あるソリストを若くして使い果たしてしまうようなやり方は、それを無意識に求める社会に責任があると考えるべきです。

また、現代の芸術家は自分の活動を全く違う観点から見直す必要があるでしょう。文化をめぐる状況は大きく変化し、もはや閉鎖的なものではなくなっています。時代を画すような支配的な文化も、階層化された社会というものも希薄になり、文化の多様性こそが、この世界を豊かにしていると認識されるようになっています。現代の世界は完全に開かれていて、私たちは実にたやすく無数の文化に触れることが出来る。そのような状況をふまえた上で、芸術家の態度というものを規定しなければなりません。

今日の演奏家の役割は、もはや一定のレパートリーを演奏することではなくなっているのです。そもそもレパートリーという概念自体が疑わしいものになっている。かといって、演奏家は全てのものを演奏しなければならないという訳ではありません。それは意味の無い事ですし、文化の普遍性という考え方はもはや無効になっているわけですから。片っ端から無作為に演奏をしていっても、演奏かも聴衆もどこにもたどり着くことは無いでしょう。

ではそのような時代に演奏家の役割は何かと言えば、それは一つの選択を示すことです。一つの文化のビジョンとして納得できるようなものを提示する。選択の可能性は無限にあり、その選択も常に変化していくものです。このような選択の総体こそが、世界をより豊かにしていくのだと言えます。私にとって、演奏家の行為に何らかの意味があるとしたら、それは出来上がった図式を再生産する事ではなく、現在の世界を明らかにする何かを提示することだと考えています。

エマールの、ソロ・ピアニストとしてのデビュー版、メシアンの「幼子イエスに注ぐ20のまなざし」

（これを録音したのは、41歳の時です。この演奏にも、ピアニストとしての姿勢にも、感銘を受けました。）

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エマールは、若い頃からずっと先の事まで、音楽家人生全体の設計図を描いていたのですね。自分の理想を描き、実行できる凄い人だなと思いました。

P.L.Aimard の音楽エピソードⅤ

続き。（エマールの言葉）

【アーノンクールとの仕事】

ニコラウス・アーノンクールとベートーヴェンのピアノ協奏曲を全曲録音する事になった時に、フォルテピアノで弾いてくれないかとアーノンクールから打診されたというのは、これはもうほとんど伝説のような話です（笑）。

アーノンクールは、ヨーロッパ室内管弦楽団と録音するためのピアニストを十年間探していたのだそうですが、このアンサンブルは現代の楽器を使っていますから、フォルテピアノで弾く必然性はありません。録音を終えた後に何度か、アーノンクールから「コンツェントゥス・ムジクスと、モーツァルトのピアノ協奏曲をフォルテピアノで録音してみる気はないか？」と聞かれたのは事実です。ですが、今のところアーノンクールからの提案を受ける気持ちは熟していないと申し上げるしかありません。自分の楽しみでフォルテピアノを弾く事はありますが、職業的に弾くのはまだ少し早い。ただ将来にわたってやらないと決めている訳ではありません。

アーノンクールとの仕事はとても刺激的でした。彼の素晴らしさは、音楽から何かを発見しようとするその態度にあります。彼の好奇心のありようは、作曲家に見いだされるものにどこか共通していると思います。指揮をしている時の彼の内側のどこかで、創造と同じ作用が働いているのです。ベートーヴェンのピアノ協奏曲第5番は今までに千回くらいは聴いてきたはずですが、アーノンクールと演奏していると、そんな事はわすれてしまうほどです。全く初めての経験をしているような気持ちで弾く事になってしまうのです。

アーノンクールは作品について細部に至るまで深く読み込んでいながら、それでいて自由な態度を忘れません。録音の数ヶ月前から私は彼に会いに行き、作品について時間をかけて話し合いました。彼は作品に対してのビジョンを持っており、それについて事細かに彼の考えを述べるのです。「このフレージングはどう思うか。私はこのパッセージをこういう風に演奏したいがどうだろう。」というように。

あれほど音楽への情熱を絶やさない人と大きな企画を実現出来た事は、私にとって無類の幸せでした。アーノンクールはバロック音楽だけに固執すること無く、あらゆるタイプの音楽を演奏してきた人です。私もあるジャンルだけを専門にすることはありませんでした。二人とも好奇心、開拓心、好学心、それに初心を持ち合わせているのです。ですから、私たちの共演がうまくいったのは決して偶然ではなかったと思っています。

ベートーヴェンのピアノ協奏曲全集と同時に出すことに意味があると考えて発表したのが、「アフリカン・リズム」でした。私がこのCDで試みたことは、時間的にも地理的にも離れているはずの音楽を結びつけるという事でした。現代音楽とアフリカの民族音楽を、ポリリズムという観点から対照させて、そのネットワークを浮かび上がらせたかったのです。アルバムにはリゲティの最後の六つの「エチュード」と、スティーブ・ライヒの作品を二つ選び、そして彼ら二人の音楽家に大きな影響を与えた中央アフリカのアカ・ピグミーの民族音楽を挟み込むようにして並べてみたのです。

21世紀に入ると音楽を聴くメディアとしてのCDの危機が叫ばれるようになりました。もはや常識的な音楽しか受け入れられないと公然と語られるようになった時に、普通ならばやらないような創造的なものに取り組んでみたい、と考えたのです。「アフリカン・リズム」は、自分が感心を抱いていたものばかりを集めた自画像のようなものです。ですからどうしてもベートーヴェンのピアノ協奏曲全集と同時に発表したいと考えたのです。この二つは、いわば双頭のポートレイトなのです。

　　　　

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アーノンクールからも共演のピアニストに選ばれ、素晴らしい録音を残してくれました。このベートーヴェン、ピアノ協奏曲全集のCDを最初に聴いた時には、それまで聴き慣れていたCD、ウィーン・フィル/バーンスタイン/ツィメルマンの演奏とは、オケの奏法が違うのか？ずいぶん違う印象だな、と感じたのですが、何度も聴いていると、その切れ味のいいすっきりした演奏が心地よく感じてくるようになりました。

アフリカン・リズムも面白い作品だと思いました。エマールのとても幅広いレパートリー、音楽性が感じられます。

P.L.Aimard の音楽エピソードⅣ

続きです。（エマールの言葉）

【ブーレーズ、リゲティとの出会い】

ブーレーズが始めた　Ensemble intercontemporain に入る事にした理由の一つに、やはり当時私が受けていたピアノの教授法の問題がありました。パリ音楽院でソリストになるための勉強をしていたのですが、私はそこにある「型」のようなものに大きな違和感を覚えていました。物の考え方が非常に狭く、教授法も一方通行でした。その流れに対抗する為に、私は作曲、和声、対位法も学び、声楽の伴奏やオペラのコーチ、室内楽の勉強もしました。学校が私に期待しているピアニストとしての専門性よりも、多彩なものを目指そうと自分に誓ったのです。

その成果の一つは、声楽の伴奏というものがピアニストにとって必要不可欠なものだと分かったことです。伴奏が出来なかったら、シューベルトやシューマンは弾けない、と知りました。先ほど申し上げたように、自分を外に向かって開いていなければ学べない事はたくさんあります。

Ensemble intercontemporain に入る事にした第一の理由は、ブーレーズと仕事をしたかったというシンプルなものでした。

ブーレーズの素晴らしさは一言では表現出来ません。まずは恐るべき耳の良さ。音楽の内部をよく理解し、その過程と構成を見渡して、ある秩序を与える驚くべき才能がある。作曲家としても、知識人としても、行動家としても一流であること。他に類を見ないほど、自らを音楽に捧げていること。

結局私は、18年間そこに籍を置くことになったのですが、そもそも私が結んだ契約は、三分の一のパートタイムというものでした。つまり、Ensemble intercontemporain で活動する時間は、私個人が演奏活動する総時間の三分の一だけ費やせばよい、というものでした。私は30歳になるまでは自分の勉強を続け、さまざまなレパートリーを拡げる事を自分の課題としていましたし、ソリストとしての活動もありましたから、このような契約のもとで所属することが出来たのも、18年間続いた理由かもしれません。

1980年代の中頃からは、ジョルジ・リゲティと「作曲家と演奏家」としての緊密な関係が始まりました。リゲティは慎重な人なので、信頼関係を築くまでには何年もかかりました。80年代半ばには病気をしていたこともあり、「エチュード」の初めの六作と「トリオ」は録音が何度もキャンセルされていたのですが、ブーレーズがプロデューサーになることでやっと実現する事になりました。

リゲティの知名度は80年代からいっそう高くなり、コンサートも頻繁に開かれ、さまざまな賞を受けるようにもなっていたのですが、リゲティは賞を受け取るためだけに出かける事を嫌がり、その際には自分の作品が演奏される事を強く望みました。ですから、1991年に高松宮殿下記念世界文化賞を受賞した時も、私は彼のスーツケースに入って日本へと向かい、授賞式で演奏する事になったというわけです（笑）。

リゲティの自由を求める欲望は、ほとんど野生的と言ってもいいものでした。行動にも発言にも独立心が強くにじみ出る人でした。20歳の頃に終戦を迎えた人たちに、それは共通する傾向なのかもしれません。作曲家としては厳しい要求をする人でしたが、友人としては寛大でやさしい。こういった全ての要素が、大きなユーモアに包まれていました。人を惹きつける力は並大抵のものではなかったと思います。

(在りし日のリゲティと、エマール）

（在りし日のメシアン夫妻と、肩を組むエマール）

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現代の偉大な作曲家たちから、直々に指名されて一緒に仕事をしてきたエマール、心から尊敬します。

P.L.Aimard の音楽エピソードⅢ

続きです。（エマールの言葉）　【ピアノ教育について】

初めの三年間、つまり12歳から、オリヴィエ・メシアン・コンクールで第一位になる15歳までは、（イヴォンヌ・ロリオ氏と）全く葛藤の無い、調和の中にある関係が続いていました。しかし、師弟の間にある葛藤というのは、親と子の関係のように根の深い問題です。

ピアノの教育では、まずは伝統と知識を伝えなければならない。しかしそれは一通りの方法ではないはずです。それぞれの生徒に、個別の方法論と心理学が必要です。一つのフレージングを取り上げる際に肝心なのは、それを一定の様式に従って演奏すべきだと強要しないことです。フレージングをどうやって自分のものにするかが一番大事なのです。情感を込めて演奏する生徒もいれば、理知的にとらえる生徒もいるはずで、それは教師が決めるのではなく、本人が決めることです。教育とは、規律を押し付けることではなく、一人の人間が伸びてゆく際に、本人にとって意味のあるような発展を手助けすることができるかどうか、なのです。

やがてイヴォンヌ・ロリオから離れてロンドンに移り住み、マリア・クルチオに師事する事にしたのは、まだ自分が若く、学ぶべき事はたくさんあると考え、さらに経験を積んでみたかったからです。さまざまな先生に打診して、時間をかけて探した結果、この人だと思えたのがマリア・クルチオでした。彼女は、アルチュール・シュナーベル（史上初めてベートーヴェンのピアノソナタ全曲を録音した。グレン・グールドもその演奏に影響を受けたと言われる）の弟子でした。クルチオは健康上の理由でピアニストとしてのキャリアを断念しなければならなかった人ですが、ピアノという楽器についての深い洞察力を持っていて、音楽家であると同時に芸術家でもありました。

私たちの文化では、既存のモデルに自分を合わせようとする事が一般的なのではないかと思います。しかし芸術家とは、常にそうしたモデルを打ち破って、自分だけの自由を見出したいと思う人たちなのです。これは自分がいかに独創的であるかを主張したいからでも、自分をあえて周辺部に追いやるようなナルシシズムからでもなく、たんに自分が芸術家としての自由を求めている事、つまり、自分で自分の道を切り拓きたい、ということに過ぎないのです。

自由を求めるとはいえ、書かれた音楽を再現するピアニストは、確かに自己犠牲を伴う割合が大きく、「専門家」として閉じ込められてしまう場合もあるでしょう。しかしそこで「いかにして、規律を保ちながら、外に向かって自分を開いてゆくか」という古くからある難題に必ず出会うはずなのです。ピアニストにとって、この難題をどう解決するかが、とても大きな事なのです。ピアノは素晴らしい楽器ですが、楽器である以上、媒体でしかない。このことを忘れてはいけない。ピアノを通じて、人生の知識や経験を積まなければならないのです。

P.L.Aimard の音楽エピソードⅡ

続きです。（私＝エマール）

【メシアン夫妻との出会い】

ピアノの習得は、幼い子供にとって厳しい規律が伴います。自由を奪われる感覚に襲われる子供もいるでしょう。しかし人は、自分にあった自由を見つけ出すものです。私の場合は、ピアノが自由でした。私がピアノを弾きたいと思う動機は、内側から湧き上がってくる、自分ではコントロールできないほどの力でした。ですから、自分の人生にあるさまざまな要素、例えば時間であり、人間関係であり、遊びであり、そういったものを全て音楽に捧げることに少しも躊躇しませんでした。そして音楽というものは、自分が犠牲にしたものと、少なくとも同じくらいの代償を返してくれるものなのです。

その時すでに（少年時代）、自分がピアニストになるんだと思っていたかというと、必ずしもそうではありません。私はものごとを常に両面から見るようにしています。音楽への道に情熱を持っていたのは確かですが、自分がやりたい事を仕事に出来るかどうかは運次第のところがあり、そのような特権はいつでも手にできるものではないと知っていたからです。

他にも興味を惹かれるものがありました。私にはどうやら数学の才能があったらしいのです。数学の先生は、私がピアノのコンクールに出て音楽家になろうとしていることを、嘆いていました（笑）。

「音楽などというものがあるのは、極めて残念なことだ」と何度も言っていました。数学には美しさがあり、私はその抽象性が好きでした。音楽だって一種の抽象性なのです。たった一人で問題を解くことが出来る数学の独立性にも、強く惹かれていたのだと思います。これもまたピアノを一人で弾く事に重なってくる。

しかし、1969年、12歳の時にコンクールに出たことで、私は音楽への道へと強くひっぱられていく結果になったのです。コンクールで弾いたのは、ディティユーの「響きの形」、モンペリエという最悪の作曲家が書いたアカデミックなフーガ、そしてリストの「パガニーニ練習曲第5番」でした。その審査員の中に、イヴォンヌ・ロリオがいたのです。

私が演奏している最中に、リヨンの国立高等音楽院の院長（当時エマールが通っていた音楽院の院長）に向かって、「あの子は私がもらいます！」と行ったそうです。イヴォンヌ・ロリオは私にとって伝説的な存在でしたし、メシアンにいたっては、法王のような存在でした。本当はパリにいる別の先生につくことが決まっていたのですが、そのコンクールがきっかけで、私はメシアン夫妻に『誘拐』されてしまう事になったというわけです。幸せな被害者として。

それからはじめのうちは、週に一回、リヨンからパリに通うスタイルでした。パリに住むようになったのは、P.ブーレーズに誘われてアンサンブル・アンテルコンタンポランの創設メンバーになった19歳の時からです。

メシアンとの交流の中で一番印象に残っているのは、メシアンの人柄と態度でした。まなざしひとつにも大きな存在感がある。それでいて他人への配慮を忘れない。つねに何かを聴いているという印象がありました。落ち着いていて、ただ耳を澄ましている。控え目な人でしたけれど、自分のしていることに絶対的な確信を持っていることもわかるのです。メシアンが何かを言う時には、いつも的確でした。印象が強く残るような表現を穏やかに口にする。だから誰でも説得されてしまう。

1950年にメシアンが、鳥の鳴き声を作曲の根底にあるものとして位置づけたのは、大きな意味を持っていたと思います。鳥の声は、いつ、どこで、どのように始まるのか、まったくわからない。鳥の声を聴き取るには、周囲に対して余裕のある感覚を持たなければなりません。メシアンは自分の内部を見ているばかりではなく、周囲の世界に開かれた耳を持っていたのだと思います。

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先日、亡くなられたメシアンの奥様であり、ピアニストのイヴォンヌ・ロリオ氏が、当時12歳のエマールを見出したのですね。エマールの才能は、子供時代から明確だったものと思われます。エマール自身は控え目に答えていますが、恐らく数学の才能も物凄かったのではないでしょうか。数学の苦手だった私（微分・積分あたりで目まいが・・・）には、数学の得意な人には強く憧れてしまいますが、何よりも、やはりエマールはピアニストになってくれて、本当に良かったと思います。現代作曲家にとっても、多くの音楽ファンにとっても。

P.L.Aimard の音楽エピソードⅠ

一年程前の雑誌、「考える人」に、ピエール＝ロラン・エマール氏のロング・インタビュー記事が掲載されたのですが、これがとても興味深い内容だったので、少しずつ、書き留めてみようと思います。以下、雑誌の記事そのままを記載いたします。（私＝エマール）

【エマールのピアノとの出会いから少年時代】

幼い頃、サヴォア地方にある曾祖父の家を訪れるたびに屋根裏部屋に上がり込んでいました。薄暗い部屋には、曾祖父のマンドリンやギター、クラリネット、オーボエなどがしまってあって、それを試しに鳴らしてみるのが何よりも楽しみでした。曾祖父はマンドリンのオーケストラを創立した人だったんです。

屋根裏部屋から出たするの廊下に、アップライトピアノが置いてありました。楽器としてはなんだかいちばんつまらない顔つきをしていて、開けてはいけないような圧迫感もあり、ちょっと後ろめたい気持ちに襲われながら、そっと蓋を開けてみたのです。そして鍵盤を三つだけ弾いてみた。その瞬間、私はピアノと恋に落ちてしまいました（笑）。リヨンにある自宅に戻ると、すぐに両親に頼み込んで、ピアノを習い始めました。五歳の時のことです。

私の住んでいたリヨンは面白い街です。北にブルゴーニュがあり、南にプロヴァンスがある。イタリアに近いだけに建築にはイタリアの影響が感じられ、もともと絹産業で財を成したブルジョワジーの街でしたから、閉鎖的で保守的でもある。織物工芸が盛んで、多くの美術館があり、オペラの長い伝統があった。一方でそんな保守的な空気への反動から、アヴァンギャルドな演劇も活発でした。

両親が探し出してきた先生は、そんなリヨンの空気をたっぷりと吸った、栗色の長い髪をした18歳の女の子でした。彼女はピエール・ブーレーズがバーゼルの音楽大学で教えていた時のオーケストラの一員で、オルガンを弾き、フルートも吹くのですが、ピアニストではなかった。前衛演劇のための音楽を作曲したりもする人でした。私にインド音楽や北アフリカの音楽、現代音楽まで聴かせたりするような、ちょっと型破りなところのある先生でした。

私の両親は二人とも医師であり、研究者でもありました。母は小児科の神経精神医学の専門家で、たとえば耳の不自由な子供たちの表現方法についての本なども書いていました。ですから、教育についての彼らの考え方に基づくと、おそらく伝統的なタイプのピアノの先生にはつけたくなかったのではないかと思います。もちろん普通にベートーヴェンのソナチネなども弾いていました。指の練習も大事だけれど、それだけで終わってしまってはいけない。初めのうちから音楽的に優れた作品をしっかりと読み込んで弾く事が大事だと、その若い先生は考えていたのだと思います。（つづく）

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私のような凡人には計り知れない才能を持った、エマールの子供時代のエピソードでした。小さい頃から、クラシック曲や練習曲だけでなく、民族音楽や現代音楽、優れた音楽的な作品を聴いて育って、今のエマールがあるのですね。エマールの両親にも、感謝です。

私は、エマールの素晴らしい演奏によって、以前までほとんど聴かなかった現代音楽の面白さを、教えてもらったように思います。まだまだ難しくてよくは分かりませんが、音楽の世界を広げてくれたエマールに、感謝です。

（写真は、去年の東京公演で、シュトックハウゼンの楽譜の表紙に書いてもらったエマール氏のサイン。）

（※より分かりやすくするため、記事内容を、雑誌の記事そのままに、なおしました。2011年6月編集）